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Junge Meister:innen –
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#couchkultur
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I CAN SEE FOREVER (2018) bekam den größten Raum

I CAN SEE FOREVER (2018) bekam den größten Raum in der #jsc und spielt 40 Jahre in der Zukunft. Es wird von einem gescheiterten Regierungsexperiment berichtet, das auf eine harmonische Synthese von Mensch und Maschine abzielte. Der einzig bekannte Überlebende dieses Projekts ist der 27-jährige Roderick Dale, welcher mit einer 8,7-prozentigen Maschinen-DNS-Biologie geboren wurde und sich ganz dem Tanz verschrieben hat. Während seiner einzigartigen virtuosen Tätigkeit behauptet er, "Für immer sehen" (See Forever) zu können – ein vielschichtiger und umstrittener Begriff, den er als die Fähigkeit definiert, sich auf eine digitale Ebene der totalen Einheit zu begeben und gleichzeitig eine körperliche Präsenz zu bewahren.

Erstmal muss man lange ausharren, wenn man im 43min langen Video zunächst das belanglos wirkende Leben von Dale zu sehen bekommt. Erst im Tanzstudio scheint der Protagonist wirklich aufzuleben. Gesteigert durch die Musik hatte ich den Eindruck, einer intimen Performance im Stil eines Musikvideos beiwohnen zu dürfen, die immer virtuoser und besser zu werden schien ... bis auch hier das digitale "Data-Mashing" als Auflösung der vermeintlichen Realität einsetzte und so die nahezu transzendentale Erfahrung während des Tanzes verbildlichte. Eine gelungene Strategie, etwas kaum visuell Darstellbares begreifbar zu machen, und das in einer uns als Glitch bekannten Ästhetik.

Der Künstler ging in diesem Werk sogar noch einen Schritt weiter und ließ die Zuschauer*innen in einem virtuellen Tunnel durch Zeit und Raum reisen ...

1. Jeremy Shaw: “I Can See Forever“, 2018, Still. Foto: Jeremy Shaw und KÖNIG GALERIE.
2. Jeremy Shaw, “I can see forever”, 2018, Installationsansicht. Photo: Alwin Lay.
3. Jeremy Shaw, “I Can See Forever”, 2018. Installationsansicht, Jeremy Shaw, QUANTIFICATION TRILOGY, JSC Berlin. Foto: Alwin Lay.
4. Jeremy Shaw, “I can see forever”, 2018. Ausschnitt, Jeremy Shaw, QUANTIFICATION TRILOGY, JSC Berlin. Video: privat

#exhibitionofmylife #jeremyshaw #ausstellung #kunst #quantificationtrilogy #videoart #jsc

Jeremy Shaws Solo Show #quantificationtrilogy hob

Jeremy Shaws Solo Show #quantificationtrilogy hob mich innerhalb kürzester Zeit komplett aus Zeit und Raum heraus, in eine Welt der Retro-Zukunft à la #backtothefuture (well, not exactly ;). In einem bild- & soundgewaltigen Epos aus 3 Videoarbeiten verwob der Künstler unterschiedliche Narrative aus der Zukunft nach der #quantification, dem gesellschaftlichen Zustand absoluter Rationalität.

Die Werke setzen sich mit Fragen um das menschliche Bewusstsein und der Sehnsucht nach transzendentalen, eben nicht rationalen Erlebnissen von Individuen und Gruppen auseinander. Das klingt erstmal abstrakt, doch wird man als Besucher*in ziemlich schnell durch die konkreten Narrative abgeholt: In LIMINALS (2017) werden 8 Subjekte pseudodokumentarisch dabei begleitet, wie sie in ekstatischen Tanzritualen und Meditationen versuchen, Zugang zu "The Liminal" zu bekommen – einem spekulativen Pararaum zwischen Physikalität und Virtualität. So soll die in der Zukunft spielende und durch und durch rationalisierte bzw. technisierte Gesellschaft vor dem Aussterben bewahrt werden ...

Man fühlt sich wie in einer Doku der 70er Jahre, als Spiritualität ebenfalls ein großes Thema war. Die Spannung nimmt immer weiter zu, bis Shaw die dargestellte Realität in psychedelischen Glitch-Farbfeldern auflöst, untermalt von einem hymnenartigen Soundtrack. Damit wird eine Subebene des Bewusstseins sichtbar, und die Musik verstärkt den Effekt nochmal. Gänsehaut.

1. Jeremy Shaw, “Liminals”, 2017. Installationsansicht, Jeremy Shaw, QUANTIFICATION TRILOGY, Kunstverein Hamburg, Foto: Fred Dott.
2. Jeremy Shaw, “Liminals”, 2017. Still, Jeremy Shaw, QUANTIFICATION TRILOGY, JSC Berlin. Foto: Alwin Lay.
3. Jeremy Shaw, “Liminals”, 2017. Installationsansicht, Jeremy Shaw, QUANTIFICATION TRILOGY, JSC Berlin. Foto: Alwin Lay.

Text: angelehnt an Ausstellungstext des Kunstvereins Hamburg von 2018.

#exhibitionofmylife #ausstellung #kunst #jeremyshaw #quantificationtrilogy #liminals #icanseeforever #quickeners #jsc #juliastoschekcollection #videoart #scifi #futurama

Heute gibt es eine weitere Ausstellung in unserer

Heute gibt es eine weitere Ausstellung in unserer Reihe #exhibitionofmylife! Wir stellen euch unter diesem Hashtag unsere liebsten, beeindruckendsten, verrücktesten Ausstellungen vor. Damit bauen wir nach und nach ein kollektives, diverses Archiv von interessanten Ausstellungen.

Ihr seid herzlich dazu eingeladen, mitzumachen! Welche Ausstellungen waren für euch besonders und sind euch bis heute noch im Kopf? Was ist eure #exhibitionofmylife?

Heute stellt euch Eva (@evaandthearts) die Einzelausstellung des kanadischen Künstlers Jeremy Shaw in der JSC (@juliastoschekcollection) vor. Zwar nicht als die einzige und allerbeste Ausstellung ihres gesamten Lebens (ist ja auch echt schwer, da wirklich einen einzigen Favoriten zu wählen, stimmt's?), aber definitiv eines ihrer Highlights von 2020, sodass sie gleich mehrfach die Ausstellung besuchte ...

Installationsansicht, Jeremy Shaw, QUANTIFICATION TRILOGY, JSC Berlin. Foto: Alwin Lay.

#exhibitionofmylife #ausstellung #kunst #jeremyshaw #quantificationtrilogy #liminals #icanseeforever #quickeners #jsc #juliastoschekcollection #videoart #scifi #futurama

"Unravel" und "Ravel Ravel" generieren eine dreifa

"Unravel" und "Ravel Ravel" generieren eine dreifache Narration. Tatsächlich entdeckt der Betrachter zunächst einen Film, der auf Chloés Gesicht zentriert ist und dessen Bedeutung in Abwesenheit jeglicher Musik offen bleibt. Nach der Ravel-Ravel-Installation enthüllt der letzte Film (und 2. Teil von Unravel) schließlich die Bewegungen des DJs, der im Deutschen Pavillon gefilmt wurde, zur Partitur von Ravels "wiedervereinigtem" Konzert.

In diesen Filmen setzt Anri Sala seine Erforschung von Raum und Klang sowie der stummen Sprache des Körpers fort. Er bietet eine Erfahrung, die auf Differenz und Gleichheit basiert, in einem ehrgeizigen Werk, das seine Experimente in der Klangverräumlichung weiter vorantreibt. Die Arbeit spricht den Intellekt des Betrachters ebenso an wie seinen Körper und schafft eine kraftvolle physische und emotionale Erfahrung.
Für Anri Sala hat sich der Raum des Deutschen Pavillons als eine Quelle unendlicher Möglichkeiten erwiesen.

Obwohl Anri Sala sich nicht mit der Geschichte des Gebäudes beschäftigt hat, ist der Künstler dennoch an den spezifischen Resonanzen interessiert, die es in sich birgt, und daran, was seine Geschichte seiner Arbeit geben wird.

Der raumfüllende Klang und die Verschmelzung der Interpretationen des impressionistischen Konzertes brachten mich dazu die Ausstellung drei Mal innerhalb von 4 Tagen zu besuchen. Sie wirkte auf mich wie ein poetischer Rückzugsort im glühend heißen Venedig im Juli Monat.

Anri Sala und seine französische Kuratorin Christine Macel haben sich für ein exquisit kompliziertes Geflecht von Ideen entschieden, das sich um die vereinigenden Fähigkeiten der musikalischen Komposition und Performance dreht.

Diese geniale szenografische und kuratorische Lösung prägte mich langjährig und ich muss jedes Mal beim Erklingen der Musik von Ravel an den raumfüllenden Klang dieses Pavillons denken.

Hier schrieb für euch: @8katerIna
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Copyrights:
Fotos: Anri Sala
Video: Vernissage TV
Quellen : https://artreview.com/feature-anri-sala/, http://moussemagazine.it/55vb-french-pavilion/
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#exhibitionofmylife #exhibition @labiennale #anrisala #videoart #immersiveart #kunst @8katerlna

Das Projekt von Anri Sala für den französischen

Das Projekt von Anri Sala für den französischen Pavillon wurde für den Raum des Deutschen Pavillons konzipiert, wo es ausnahmsweise ausgestellt wurde, und trägt den Titel “Ravel Ravel Unravel” (2013).
Der von einem Deutschen entworfene und in deutschem Besitz befindliche Pavillon mit seiner tempelartigen Apsis und den hoch aufragenden teutonischen Säulen stellte die ausstellenden Künstler:innen stets vor eine Fülle prekärer Probleme: architektonische, ästhetische und politische. 1909 erbaut, 1938 nazifiziert, 1947 entnazifiziert und seitdem mehrmals fast abgerissen, ist er von der Geschichte überdeterminiert und mit Geistern überladen.

Der Titel der Arbeit ist ein subtiles Wortspiel, basierend auf dem Verb to ravel und seinem Gegenteil, to unravel, sowie ein Verweis auf den berühmten französischen Komponisten Maurice Ravel, der 1930 das Konzert in D für die linke Hand komponierte, das im Mittelpunkt von Anri Salas Projekt steht.

Die erste von zwei Arbeiten mit dem Titel Ravel Ravel, die den zentralen Raum des Deutschen Pavillons einnimmt, besteht aus zwei Filmen, die jeweils die linke Hand eines berühmten Pianisten in den Mittelpunkt stellen: Louis Lortie und JeanEfflam Bavouzet. Diese beiden Interpreten wurden von Anri Sala eingeladen.

Im Mittelpunkt des Projekts von Anri Sala steht die Interpretation desselben Musikstücks durch die beiden Musiker. Jeder Film konzentriert sich auf die Choreographie der linken Hand.

Die Filme werden gleichzeitig in einer halb schalltoten Kammer abgespielt. Die Absicht des Künstlers ist es, einen Raum nach der zeitlichen Lücke zwischen den beiden Aufführungen zum Klingen zu bringen; paradoxerweise einen 'anderen' Raum in einer Umgebung zu schaffen, die so konzipiert ist, dass sie das Raumgefühl auflöst.

In den angrenzenden Räumen werden zwei weitere Filme unter der einheitlichen Titel "Unravel" präsentiert. Chloé, ein DJ, wird alleine gefilmt, wie sie beide Interpretationen mischt und versucht, die beiden Versionen des Konzerts durch ihre Interpretation zu vereinen.

Copyrights:
Fotos: Anri Sala
Video: Vernissage TV

#exhibitionofmylife #exhibition #anrisala #videoart @labiennale @8katerlna

Es ist wieder Sonntag und damit Zeit für #exhib

Es ist wieder Sonntag und damit Zeit für #exhibitionofmylife. Wir stellen Euch unter diesem Hashtag unsere liebsten, beeindruckendsten, verrücktesten Ausstellungen vor. Damit generieren wir nach und nach ein kollektives, diverses Archiv von interessanten Ausstellungen!

Ihr seid herzlich dazu eingeladen mitzumachen! Welche Ausstellungen waren für Euch besonders und sind euch bis heute noch im Kopf? Was ist Eure #exhibitionofmylife?

Heute stellt uns Ekaterina (@8katerIna) die Ausstellung des französischen Pavillions mit Anri Sala: “Ravel Ravel Unravel” auf der 55. Venedig Biennale 2013 vor!

#exhibitionofmylife #ausstellung #kunst #anrisala #venicebiennale #ravel #venice #exhibition #videoart #immersiveart @labiennale

„Wie fühlen Sie sich nach dieser Erfahrung?“

„Wie fühlen Sie sich nach dieser Erfahrung?“ -> „Überrascht“... „Ergriffen“... „Irgendwas hat sich in mir verändert!“
Danke für dieses besondere Erlebnis! 💫

#exhibitionofmylife

Carte blanche à Tino Sehgal im Palais de Tokyo w

Carte blanche à Tino Sehgal im Palais de Tokyo war eine einzigartige Erfahrung. Hier nur ein kleiner Ausschnitt...
#palaisdetokyo #performance #exhibitionofmylife

Heute ist wieder Zeit für #exhibitionofmylife. W

Heute ist wieder Zeit für #exhibitionofmylife. Wir wollen euch jeden Sonntag unter diesem Hashtag unsere liebsten, beeindruckendsten, verrücktesten Ausstellungen vorstellen. Damit generieren wir nach und nach ein kollektives, diverses Archiv von ganz wunderbaren Ausstellungen!
Ihr seid herzlich dazu eingeladen mitzumachen! Welche Ausstellungen waren für euch besonders und sind euch bis heute noch im Kopf? Was sind eure #exhibitionofmylife?

Heute stellt uns Juschka die Ausstellung „Carte blanche à Tino Sehgal“ im Palais de Tokyo in Paris vor!

Ein paar Monate später bekomme ich in einem Semi

Ein paar Monate später bekomme ich in einem Seminar Mika Rottenberg als Essay-Thema zugeteilt. Nach etwas Recherche kann ich endlich in Worte fassen was sich an ihren Arbeiten so “falsch” angefühlt hat.

Rottenberg betont wiederholt, dass sie für ihre Videos Modelle engagiert, die nicht den klassischen Schönheitsidealen entsprechen. Sie sieht das als “empowering” für ihre Darsteller:innen, die oft Sex- oder Fetischarbeiter:innen sind. Doch die prekäre Arbeit der Darsteller:innen gewinnt durch die Linse der Künstlerin auf dem Kunstmarkt plötzlich exponentiell an Wert. Dass die Modelle davon nicht profitieren ist meiner Meinung nach kritisch zu sehen.

Ich will nun nicht darüber urteilen, ob Rottenberg’s Arbeiten ethisch vertretbar sind oder nicht. Jedoch zeigen ihre Videos und die Fragen, die sie aufwerfen, einmal mehr wie der Kunstmarkt die Bedeutung von Werken verändert.

Wen diese Diskussion interessiert, dem:r kann ich das Essay “Selling Sweat: On The Ethics Of Renting ‘Extraordinary Bodies’ In Mika Rottenberg’s Videos” von Emily Watlington auf anothergaze.com sehr empfehlen.

1. Ausstellungsansicht, „Easy Pieces“, Mika Rottenberg, © New Museum, New York.
2. Ausstellungsansicht, „Easy Pieces“, Mika Rottenberg, © New Museum, New York.
3. Videoclip, „NoNoseKnows”, 2015, © Mika Rottenberg und Hauser Wirth.

#exhibitionofmylife

Mika Rottenberg’s Ausstellung im New Museum fü

Mika Rottenberg’s Ausstellung im New Museum fühlte sich ein bisschen an wie ein bunter Fiebertraum: Um in die Ausstellung zu gelangen mussten Besucher:innen sich zuerst durch ein Dickicht aus Lamettagirlanden kämpfen.

Der Ausstellungsraum griff Elemente von Rottenberg’s Videoarbeiten installativ auf und stelle so eine haptische, emotionale Verbindung zu den Protagonist:innen der Videos und ihrer Umgebung her.

Ein wiederkehrendes Thema in Rottenberg’s künstlerischer Praxis ist Arbeit und Prekarität. Dabei führen die meist weiblichen Protagonist:innen ihrer Videos Arbeitsabläufe und Fabrikationsprozesse ad absurdum. Rottenberg’s dokumentarisch anmutende fiktionale Narrative, wirken wie eine Sammlung von surrealen Kurzgeschichten. Sie sind unglaublich immersiv und fesselnd aber irgendetwas fühlte sich nicht ganz richtig an als ich ihren Arbeiten im New Museum zum ersten Mal begegne.

1. Ausstellungsansicht, „Easy Pieces“, Mika Rottenberg, New Museum, New York
2. Videostill, “Cosmic Generator”, 2017, © Mika Rottenberg und Hauser Wirth
3. Videoclip, „Cosmic Generator”, 2017, © Mika Rottenberg und Hauser Wirth.

#exhibitionofmylife

Immer wieder Sonntags ist es Zeit für #exhibiti

Immer wieder Sonntags ist es Zeit für #exhibitionofmylife. Wir stellen Euch unter diesem Hashtag unsere liebsten, beeindruckendsten, verrücktesten Ausstellungen vor. Damit generieren wir nach und nach ein kollektives, diverses Archiv von interessanten Ausstellungen!
Ihr seid herzlich dazu eingeladen mitzumachen! Welche Ausstellungen waren für Euch besonders und sind euch bis heute noch im Kopf? Was ist Eure #exhibitionofmylife?

Heute stellt uns Olympia (@olympiacontopidis) die Ausstellung „Easy Pieces“ von Mika Rottenberg im New Museum vor!

Besucher*innen waren in den häuslich eingerichtet

Besucher*innen waren in den häuslich eingerichteten Ausstellungsräumen umgeben von immerwährendem, wabernden Sound begleitet von Visuals. Es gab tausende Eindrücke, die auf mich einprasselten und mich auch im Nachhinein noch beschäftigten. Die Installationen hatten einen pulsierenden, fesselnden Charakter. Rist’s Kunst erforscht einen Dialog zwischen Natur und Technologie. Pipilotti Rist sieht in Museen eine Plattform, die Menschen in eine gemeinsame Gedanken-Blase bringen kann, in der man sich austauschen und voneinander lernen kann. Das Gefühl wurde in Rist’s Retrospektive definitiv bei Besucher*innen herausgekitzelt.

1.-5. Ausstellungsansicht, „Åbn min lysning’ (Open my Glade)“, Louisiana Museum für Moderne Kunst, Humlebæk

#exhibitionofmylife #louisiana #jungemeisterinnen #pipilottirist #exhibition

Eine der einprägsamsten Ausstellungen meines bish

Eine der einprägsamsten Ausstellungen meines bisherigen Lebens besuchte ich im Sommer 2019 – die Retrospektive „Åbn min lysning’ (Open my Glade)“ von Pipilotti Rist im Louisiana (übrigens ihre erste jemals in Skandinavien!). Das Museum an sich ist von jeher sehr beeindruckend, aber die Werke von Rist haben mich wirklich in ihren Bann gezogen. Es war ein wenig wie ein Ausflug in eine komplette Wunderwelt. In der Ausstellung waren große Installationen der Künstlerin zu sehen, zum Beispiel Pixel Forest (2012) – quasi ein „im Raum explodierter Bildschirm“, wie die Künstlerin sagt oder 4th Floor to Mildness (2016) – bei der Besucher*innen gemütlich von Betten aus die Kunst auf sich wirken lassen konnten.

1.-5. Ausstellungsansicht, „Åbn min lysning’ (Open my Glade)“, Louisiana Museum für Moderne Kunst, Humlebæk

#exhibitionofmylife #louisiana #jungemeisterinnen #pipilottirist #exhibition

Heute ist wieder Zeit für #exhibitionofmylife. W

Heute ist wieder Zeit für #exhibitionofmylife. Wir wollen euch jeden Sonntag unter diesem Hashtag unsere liebsten, beeindruckendsten, verrücktesten Ausstellungen vorstellen. Damit generieren wir nach und nach ein kollektives, diverses Archiv von ganz wunderbaren Ausstellungen!
Ihr seid herzlich dazu eingeladen mitzumachen! Welche Ausstellungen waren für euch besonders und sind euch bis heute noch im Kopf? Was sind eure #exhibitionofmylife?

Heute stellt uns Pola (@guuuuuuuuuuuuuuuurl ) die Ausstellung „Åbn min lysning’ (Open my Glade)“ von Pipilotti Rist im Louisiana Museum für Moderne Kunst vor!

Ed Atkins Ausstellung durchkreuzte gleich zu Begin

Ed Atkins Ausstellung durchkreuzte gleich zu Beginn alle Erwartungen, die ein:e Museumsbesucher:in üblicherweise an eine Ausstellung hat. Statt einzelner Werke mit erklärenden Texten, schuf der britische Künstler ein über mehrere Räume verteiltes Zusammenspiel von optischen, haptischen und akustischen Reizen. Die beeindruckenden Kostüme der Deutschen Oper standen als leere Hüllen auf ihren meterhohen Kostümständern ebenso hohen Bildschirmen gegenüber, auf denen die computeranimierten Protagonisten dieses digitalen Theaterstücks sich schluchzend und stöhnend in endlosen Schleifen bewegten. Hierzu stelle man sich noch ein melancholisches Klavierstück, Schreie von Frankensteins Monster und besagte Holztafeln an den Wänden vor, auf denen von ironischen Kommentaren über vermeintlich biologische Beobachtungen bis zu kritischen Auseinandersetzungen mit dem Museum alles außer hilfreichen Informationen zu finden waren. Was all das so spannend macht? Vielleicht gerade die Mehrdeutigkeit und Offenheit dieses Gesamtkunstwerks, das immer wieder neue Details preisgibt und neue Fragen über unsere Menschlichkeit aufwirft.

P.S. Auch eine Bachelorarbeit später kann ich nur erahnen, warum die Ausstellung ,Old Food’ heißt. Ich kann es aber kaum erwarten, mehr von Ed Atkins zu sehen und zu lesen – richtig, zu lesen – denn im November 2019 veröffentlichte der Künstler statt eines konventionellen Ausstellungskatalogs sein eigenes, poetisches Art Writing zu „Old Food“.

– @leoroser
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1.) Ausstellungsansicht, Ye Olde Food, K21, Düsseldorf.
2.) Ausstellungsansicht, Ye Olde Food, K21, Düsseldorf.
3.) Ausstellungsansicht, Ye Olde Food, K21, Düsseldorf.
4.) Ausstellungsansicht, Ye Olde Food, K21, Düsseldorf.
5.) Ausstellungsansicht, Ye Olde Food, K21, Düsseldorf.
6.) Ausstellungsansicht, Ye Olde Food, K21, Düsseldorf.
7.) Ausstellungsansicht, Ye Olde Food, K21, Düsseldorf.
8.) Ausstellungsansicht, Ye Olde Food, K21, Düsseldorf.
9.) Ausstellungsansicht, Ye Olde Food, K21, Düsseldorf.

#exhibitionofmylife #gropiusbau #berlin #k21 #düsseldorf #edatkins #oldfood #abjectart

Auf eine ungetoastete Scheibe Weißbrot fällt ei

Auf eine ungetoastete Scheibe Weißbrot fällt eine Gesichtsepidermis, Gurken, Tomaten und eine Holztafel. Anschließend werden alle Schichten von unsichtbarer Hand hochgezogen und wieder lieblos fallengelassen. Klingt wie ein Albtraum? Ist es in gewisser Weise auch. Keine Ausstellung hat mir bisher so viel Schlaf geraubt wie Ed Atkins „Old Food“. Zunächst 2017 im Gropius Bau in Berlin und dann 2019 im K21 in Düsseldorf verbrachte ich Stunden in den Ausstellungsräumen – zum Leidwesen meiner Begleiter:innen. Klar, dass diese Ausstellung – die später zum Thema meiner Bachelorarbeit wurde – in die Reihe #exhibitionofmylife gehört. Eines lässt sich vorwegnehmen: Zeit in dieser Ausstellung war nicht unbedingt für jeden angenehm, wie das Gästebuch im Gropius Bau bezeugt.

Dennoch habe ich bis heute keine intelligentere und komplexere Auseinandersetzung mit Materialität, Körperlichkeit und der Bedeutung von Verlust im digitalen Bild gesehen. Aber fair enough, vielleicht muss man auch ein Faible für abjekte Kunst haben...

– @leoroser
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1.) Ausstellungsansicht, Ye Olde Food, K21, Düsseldorf.
2.) Ausstellungsansicht, Ye Olde Food, K21, Düsseldorf.
3.) Gästebucheintrag, Old Food, Gropius Bau, Berlin.
5.) Gästebucheintrag, Old Food, Gropius Bau, Berlin.
6.) Gästebucheintrag, Old Food, Gropius Bau, Berlin.

#exhibitionofmylife #gropiusbau#berlin #k21 #düsseldorf #edatkins#oldfood #abjectart

Sonntag ist #exhibitionofmylife - Tag! Unter diese

Sonntag ist #exhibitionofmylife - Tag! Unter diesem Hashtag präsentieren wir euch immer Ausstellungen, die uns nachhaltig beeindruckt haben. Peu à peu kreieren wir damit ein kollektives, diverses Archiv von großartigen Ausstellungen!
Zum Mitmachen seid ihr herzlichst eingeladen! Welche Ausstellung ist euch auch nach Jahren noch in Erinnerung, welchen Katalog musstet ihr euch unbedingt kaufen oder für welche Ausstellung habt ihr sogar mehrmals Eintritt bezahlt? Was sind eure #exhibitionofmylife?

Heute stellt uns @leoroser die Ausstellung ,Old Food’ des britischen Künstlers Ed Atkins vor!

Leitfrage war dabei immer: Wer sind diese porträt

Leitfrage war dabei immer: Wer sind diese porträtierten, meist namenlosen Menschen, die uns in der Ausstellung „Le Modèle Noir“ begegnen? So blickt man im Kontext dieser Schau bei Manets berühmter, damals skandalöser Olympia unweigerlich nicht auf die nackte Frau im Vordergrund, sondern zuerst auf die Bedienstete im Hintergrund. Durch aufwändige Recherche gelang es den Kurator*innen, die Identität (oder zumindest den Namen) der Frau zu ermitteln: Laure.
Gleiches gelang bei vielen anderen Porträts, etwa bei einem meiner Lieblingsgemälde in der Ausstellung: Die französische Malerin Maire-Guillemine Benoist porträtierte 1800 (und damit sechs Jahre nach der ersten Abschaffung der Sklaverei in Frankreich) eine ehemalige Sklavin, die nun als Dienstmädchen arbeitete. Ursprünglich trug das Gemälde den Titel „Portrait d’une négresse“, in der Ausstellung heißt es „Portrait de Madeleine“.

Selbst über diese Änderungen der Bildtitel lässt sich trefflich streiten: Ist damit auch nur irgendetwas gewonnen? Schon alleine das zu diskutieren fanden meine Freundinnen und ich aber dermaßen anregend, dass diese Ausstellung mir – nicht nur wegen der tollen Werke – sicher noch lange in Erinnerung bleiben wird. 👍

— Anna
((2/2))

1.) Maire-Guillemine Benoist, Portrait de Madeleine (früher: Portrait d’une négresse), 1800, Musée du Louvre
2.) Édouard Manet, Olympia, 1863-65, Musée d’Orsay
3.) Félix Vallotton, La Blanche et la Noire, 1913, Kunstmuseum Bern
4.) Théodore Géricault, Étude de Joseph, 1818/19, J. Paul Getty Museum, L.A.

#exhibitionofmylife #museedorsay #lemodelenoir #paris #benoist #manet #vallotton #gericault

Im Sommer 2019 besuchte ich die schon damals legen

Im Sommer 2019 besuchte ich die schon damals legendäre Ausstellung „Le Modèle Noir de Géricault à Matisse“ (Das Schwarze Modell) im Musée d’Orsay. Ein sehr heikles Thema, dem eine so große, westlich orientierte Institution unmöglich gerecht werden kann – jeder aufgeworfene Diskurspunkt machte fast automatisch einen anderen Kritikpunkt an der Ausstellung auf. Genau deshalb fand ich sehr mutig, dass sich das in den 1970er-Jahren von einem Bahnhof in ein Museum umgewandelte Haus dem Thema des Schwarzen Modells in der westlichen Kunstgeschichte widmet. Aufgebaut war die Ausstellung chronologisch – angefangen mit der Ära der Abschaffung der Sklaverei (1784–1848) bis hin zur Gegenwart. Ich verbrachte viele Stunden in der Ausstellung, weil ich einerseits diese Werke aus über 200 Jahren so unglaublich schön fand und andererseits mit einem ganz bestimmten Blick – sowohl auf die Werke als auch auf das Publikum – durch die Hallen wanderte.

— Anna
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1.) Ausstellungskatalog „Le Modèle Noir“
2.) Eingang zur Ausstellung im Musée d’Orsay in Paris
3.) Ausstellungsansicht
4.) Aimé Mpane, Olympia II, 2013

#exhibitionofmylife #museedorsay #lemodelenoir #paris #olympia #aimempane

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