Junge Meister:innen – Kunstnetzwerk Berlin

Die Jungen Meister:innen sind ein Kunstnetzwerk von und für junge Kunstinteressierte in Berlin. Wir organisieren regelmäßige
Studio Visits, Künstler*innengespräche, Ausstellungs- und Sammlungsbesuche sowie Ausflüge in andere Kunstmetropolen.
Mehr über uns findest du hier.

23/02/2021 19:00Uhr - 13/04/2021 19:00Uhr

CouchKultur

CouchKultur

Gemeinsam präsentieren wir: CouchKultur. Wir kommen zu euch ins Wohnzimmer! Better together: gemeinsam mit den fritzen, den Freunden… Mehr lesen

Als JM-Mitglied erwartet dich ein Netzwerk aus Künstlerinnen, Sammlerinnen, Kurator*innen sowie Kunstinteressierten aus den unterschiedlichsten Disziplinen. Bei 20 Veranstaltungen pro Jahr sowie einer jährlichen Exkursion in eine andere Kunstmetropole tauschen wir uns regelmäßig über zeitgenössische Kunst aus.
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jungemeister_innen

Kunstnetzwerk für junge Kunstinteressierte
in Berlin seit 2007
Kurator:innenführungen
Sammlungsbesuche
Künstler:innengespräche
#couchkultur

Morgen, am Dienstag 23.03. um 19:00 sprechen wir i

Morgen, am Dienstag 23.03. um 19:00 sprechen wir im Rahmen der Talkreihe, #CouchKultur, mit Galeristin Anahita Sadighi über den Kunstmarkt im Umbruch.

2015 hat Anahita @anahita.arts.of.asia, eine Galerie für antike Kunst Vorderasiens und des ostasiatischen Kulturraums gegründet. Zwei Jahre später eröffnete sie ein paar Häuser weiter eine zweite Galerie, diesmal mit Fokus auf zeitgenössischen Positionen: @anahitacontemporary.

Hier zeigt Anahita vor allem fotografische Arbeiten und informelle Malerei junger Künstler:innen, wie Stella Meris @stella__meris , deren spannende Arbeiten zuletzt mit der Ausstellung ,Fake it till we make it’ in der Galerie zu sehen waren.

Wir freuen uns schon, noch mehr über den Austausch zwischen antiker asiatischer und zeitgenössischer Kunst zu erfahren, den Anahita in der Symbiose ihrer beiden Galerien schafft. Registriert euch kostenlos über den Link in unserer Bio um dabei zu sein.

📷: © @anahitacontemporary / @stella__meris

Kunst und Musik begleiten Anahita Sadighi schon se

Kunst und Musik begleiten Anahita Sadighi schon seit ihrer Kindheit. Die Berlinerin mit iranischen Wurzeln hat sich schlussendlich gegen eine Karriere als Pianistin und für die Kunstwelt entschieden.
Anahita hat in London islamische Kunst und Architektur studiert und arbeitete für die Art Dubai, bevor sie schließlich nach Berlin zurückkehrte.
Hier eröffnete sie 2015 Ihre erste Galerie @anahita.arts.of.asia mit einem Fokus auf antiker Kunst Vorderasiens und aus dem ost-asiatischen Kulturraum. Zwei Jahre später und zwei Häuser weiter kam eine zweite Galerie für zeitgenössische Positionen dazu, @anahitacontemporary.

Wir haben Anahita im Rahmen der online Talkreihe #CouchKultur für einen Galerist Talk eingeladen um mir ihr über den Kunstmarkt im Umbruch zu diskutieren. Registriert euch kostenlos über den Link in unserer Bio um am 23.3. um 19:00 dabei zu sein.

Ihre erste Galerie hat Anahita Sadighi gegründet,

Ihre erste Galerie hat Anahita Sadighi gegründet, als sie gerade einmal 26. war. Von japanischen Holzschnitten und Islamischer Kunst bis zu Chinesischen Möbeln, liegt der Fokus von @anahita.arts.of.asia auf antiker Kunst Vorderasiens und des ostasiatischen Kulturraums.

Neben dem Kunsthandel nutzt Anahita ihre Galerie aber auch als Plattform, um interkulturelle Dialoge zu eröffnen. Mit spannenden Formaten wie Poetry Nights für klassische persische und arabische Lyrik setzt sie nicht nur einen Fokus auf Neuinterpretationen klassischer Dichtung, sondern gleichzeitig auch auf starke Frauenstimmen.

Die Jungen Meister:innen sprechen mit Anahita am 23.3. im Rahmen der Talkreihe #CouchKultur wie sich der Kunstmarkt aktuell verändert. Kostenlose Tickets für den Galerist Talk könnt ihr über den link in unserer vio nd via Evenbrite buchen.

📷: © Anahita - Arts of Asia / Galerieansicht

Am 23.03. um 19:00 ist es so weit. Im Rahmen der T

Am 23.03. um 19:00 ist es so weit. Im Rahmen der Talkreihe #CouchKultur initiiert durch die @jungekulturvereineberlin sprechen wir mit Anahita Sadighi über den Kunsthandel im Umbruch und ihre Erfahrungen als Galeristin antiker und zeitgenössischer Kunst.

Um das Warten bis Dienstag etwas erträglicher zu machen gibt es hier in den nächsten Tagen schon einige kleine Einblicke! 👀

Tickets für den Talk gibt es kostenfrei über Eventbrite. Den Link findet ihr in unserer Bio. 🎟

Grafik @evaandthearts

Wie eröffnet man eigentlich eine Galerie? Wie sie

Wie eröffnet man eigentlich eine Galerie? Wie sieht der Alltag einer Galeristin aus? Und wie unterscheidet sich der Handel mit antiker Kunst von dem zeitgenössischer Kunst?

Über diese und weitere Fragen wollen wir in unserem Gallerist Talk am 23.03. mit Anahita Sadighi im Rahmen der Talkreihe #CouchKultur sprechen.

Tickets gibt es kostenfrei über Eventbrite. Den Link findet ihr in unserer Bio. 🎟

Grafik @evaandthearts

Im Rahmen der Reihe #CouchKultur lädt jede Woche

Im Rahmen der Reihe #CouchKultur lädt jede Woche ein Kulturverein zu einem Talk in Deinem Wohnzimmer ein. 🛋

Nächste Woche sind wir nun endlich dran. Am Besten also gleich den 23.03. im Kalender markieren, denn um 19:00 diskutieren wir mit Galeristin Anahita Sadighi über den Kunsthandel im Umbruch. 🖼🔀👾

Tickets gibt es kostenfrei über Eventbrite. Den Link findet ihr in unserer Bio. 🎟

Grafik @evaandthearts

Nächsten Samstag, 13.3. laden wir euch zu einer M

Nächsten Samstag, 13.3. laden wir euch zu einer Matinee mit der österreichischen Künstlerin @katharinagruzei! Sie studierte in Linz, Kalifornien und Berlin (bei Katharina Sieverding) und arbeitet neben Fotografie auch mit Video, Installation und Sound. Katharina gilt als eine der aufstrebendsten Fotografinnen Österreichs, die in den letzten Jahren in zahlreichen Ausstellungen im In- und Ausland vertreten war. Aufmerksam auf sie wurden wir durch ihre Foto-Serie „BODIES OF WORK“ von 2017, für die sie Arbeiter:innen der Linzer Schiffswerft fotografierte. Die wie aus einem Science-Fiction-Film wirkenden, detailreichen Digitalfotografien stellen Arbeitsbedingungen in einem anachronistisch wirkenden Setting in den Vordergrund: Handwerkstradition in einem mittlerweile hochtechnologisierten Metier.

Über diese und andere Werke – wie etwa die Serie „MIR METRO“, in der Gruzei die U-Bahnen Moskaus porträtierte, oder die rezente Videoarbeit „YAW“, in der sie die zur österreichischen Tracht gehörende "Goldhaube" auf unfassbar ästhetische Weise in ihre Einzelteile zerlegt – wird sie uns am Samstag berichten. Zudem zeigt die Künstlerin uns ihren aktuellen Arbeitsplatz in der Fabrik der Linzer Schiffswerft und erzählt uns von ihrer aktuellen Einzelausstellung.

Seid ihr schon angemeldet? 🤩

#katharinagruzei #blicküberdentellerrand #austrianart #linz #bodiesofwork #yaw #studiovisit #zoomtalk

Foto 1: Katharina Gruzei, Bodies of Work, 2017, Pigment Prints, 120 x 80 cm, Courtesy of the artist.

Foto 2: Katharina Gruzei, Videostill from YAW, 2020, Video, 14 Min., Courtesy of the artist.

Bei einer weiteren Veranstaltung unserer Reihe "Bl

Bei einer weiteren Veranstaltung unserer Reihe "Blick über den Tellerrand" wird uns die äußerst sympathische Fotografin @katharinagruzei virtuell durch ihr Atelier (das sich aktuell in der Linzer Schiffswerft befindet!) führen. Dabei erzählt sie uns von ihren Arbeiten sowie der aktuellen Einzelausstellung „Every Shade an Image“ in der Galerie MAERZ (@maerz.at).

Schreibt uns schnell eine Mail und meldet euch an! 🤩

#studiovisit #matinee #photography #austrianart #blicküberdentellerrand #bodiesofwork #mirmetro #zoomtalk #katharinagruzei #linz #galeriemaerz

Foto 1: Katharina Gruzei vor ihrer Serie „Bodies of Work“, © Tina Perisutti

Foto 2: Katharina Gruzei, Mir Metro, 2008 ongoing, photo series, Courtesy of the artist

Nächsten Samstag wagen wir wieder einen Blick üb

Nächsten Samstag wagen wir wieder einen Blick über den Berliner Tellerrand! Die österreichische Fotografin @katharinagruzei zeigt uns via Zoom ihr Atelier in der Linzer Schiffswerft und spricht mit uns über ihre Arbeiten. 🤗
Meldet euch schnell an, Plätze sind begrenzt! 👆☺️

I CAN SEE FOREVER (2018) bekam den größten Raum

I CAN SEE FOREVER (2018) bekam den größten Raum in der #jsc und spielt 40 Jahre in der Zukunft. Es wird von einem gescheiterten Regierungsexperiment berichtet, das auf eine harmonische Synthese von Mensch und Maschine abzielte. Der einzig bekannte Überlebende dieses Projekts ist der 27-jährige Roderick Dale, welcher mit einer 8,7-prozentigen Maschinen-DNS-Biologie geboren wurde und sich ganz dem Tanz verschrieben hat. Während seiner einzigartigen virtuosen Tätigkeit behauptet er, "Für immer sehen" (See Forever) zu können – ein vielschichtiger und umstrittener Begriff, den er als die Fähigkeit definiert, sich auf eine digitale Ebene der totalen Einheit zu begeben und gleichzeitig eine körperliche Präsenz zu bewahren.

Erstmal muss man lange ausharren, wenn man im 43min langen Video zunächst das belanglos wirkende Leben von Dale zu sehen bekommt. Erst im Tanzstudio scheint der Protagonist wirklich aufzuleben. Gesteigert durch die Musik hatte ich den Eindruck, einer intimen Performance im Stil eines Musikvideos beiwohnen zu dürfen, die immer virtuoser und besser zu werden schien ... bis auch hier das digitale "Data-Mashing" als Auflösung der vermeintlichen Realität einsetzte und so die nahezu transzendentale Erfahrung während des Tanzes verbildlichte. Eine gelungene Strategie, etwas kaum visuell Darstellbares begreifbar zu machen, und das in einer uns als Glitch bekannten Ästhetik.

Der Künstler ging in diesem Werk sogar noch einen Schritt weiter und ließ die Zuschauer*innen in einem virtuellen Tunnel durch Zeit und Raum reisen ...

1. Jeremy Shaw: “I Can See Forever“, 2018, Still. Foto: Jeremy Shaw und KÖNIG GALERIE.
2. Jeremy Shaw, “I can see forever”, 2018, Installationsansicht. Photo: Alwin Lay.
3. Jeremy Shaw, “I Can See Forever”, 2018. Installationsansicht, Jeremy Shaw, QUANTIFICATION TRILOGY, JSC Berlin. Foto: Alwin Lay.
4. Jeremy Shaw, “I can see forever”, 2018. Ausschnitt, Jeremy Shaw, QUANTIFICATION TRILOGY, JSC Berlin. Video: privat

#exhibitionofmylife #jeremyshaw #ausstellung #kunst #quantificationtrilogy #videoart #jsc

Jeremy Shaws Solo Show #quantificationtrilogy hob

Jeremy Shaws Solo Show #quantificationtrilogy hob mich innerhalb kürzester Zeit komplett aus Zeit und Raum heraus, in eine Welt der Retro-Zukunft à la #backtothefuture (well, not exactly ;). In einem bild- & soundgewaltigen Epos aus 3 Videoarbeiten verwob der Künstler unterschiedliche Narrative aus der Zukunft nach der #quantification, dem gesellschaftlichen Zustand absoluter Rationalität.

Die Werke setzen sich mit Fragen um das menschliche Bewusstsein und der Sehnsucht nach transzendentalen, eben nicht rationalen Erlebnissen von Individuen und Gruppen auseinander. Das klingt erstmal abstrakt, doch wird man als Besucher*in ziemlich schnell durch die konkreten Narrative abgeholt: In LIMINALS (2017) werden 8 Subjekte pseudodokumentarisch dabei begleitet, wie sie in ekstatischen Tanzritualen und Meditationen versuchen, Zugang zu "The Liminal" zu bekommen – einem spekulativen Pararaum zwischen Physikalität und Virtualität. So soll die in der Zukunft spielende und durch und durch rationalisierte bzw. technisierte Gesellschaft vor dem Aussterben bewahrt werden ...

Man fühlt sich wie in einer Doku der 70er Jahre, als Spiritualität ebenfalls ein großes Thema war. Die Spannung nimmt immer weiter zu, bis Shaw die dargestellte Realität in psychedelischen Glitch-Farbfeldern auflöst, untermalt von einem hymnenartigen Soundtrack. Damit wird eine Subebene des Bewusstseins sichtbar, und die Musik verstärkt den Effekt nochmal. Gänsehaut.

1. Jeremy Shaw, “Liminals”, 2017. Installationsansicht, Jeremy Shaw, QUANTIFICATION TRILOGY, Kunstverein Hamburg, Foto: Fred Dott.
2. Jeremy Shaw, “Liminals”, 2017. Still, Jeremy Shaw, QUANTIFICATION TRILOGY, JSC Berlin. Foto: Alwin Lay.
3. Jeremy Shaw, “Liminals”, 2017. Installationsansicht, Jeremy Shaw, QUANTIFICATION TRILOGY, JSC Berlin. Foto: Alwin Lay.

Text: angelehnt an Ausstellungstext des Kunstvereins Hamburg von 2018.

#exhibitionofmylife #ausstellung #kunst #jeremyshaw #quantificationtrilogy #liminals #icanseeforever #quickeners #jsc #juliastoschekcollection #videoart #scifi #futurama

Heute gibt es eine weitere Ausstellung in unserer

Heute gibt es eine weitere Ausstellung in unserer Reihe #exhibitionofmylife! Wir stellen euch unter diesem Hashtag unsere liebsten, beeindruckendsten, verrücktesten Ausstellungen vor. Damit bauen wir nach und nach ein kollektives, diverses Archiv von interessanten Ausstellungen.

Ihr seid herzlich dazu eingeladen, mitzumachen! Welche Ausstellungen waren für euch besonders und sind euch bis heute noch im Kopf? Was ist eure #exhibitionofmylife?

Heute stellt euch Eva (@evaandthearts) die Einzelausstellung des kanadischen Künstlers Jeremy Shaw in der JSC (@juliastoschekcollection) vor. Zwar nicht als die einzige und allerbeste Ausstellung ihres gesamten Lebens (ist ja auch echt schwer, da wirklich einen einzigen Favoriten zu wählen, stimmt's?), aber definitiv eines ihrer Highlights von 2020, sodass sie gleich mehrfach die Ausstellung besuchte ...

Installationsansicht, Jeremy Shaw, QUANTIFICATION TRILOGY, JSC Berlin. Foto: Alwin Lay.

#exhibitionofmylife #ausstellung #kunst #jeremyshaw #quantificationtrilogy #liminals #icanseeforever #quickeners #jsc #juliastoschekcollection #videoart #scifi #futurama

"Unravel" und "Ravel Ravel" generieren eine dreifa

"Unravel" und "Ravel Ravel" generieren eine dreifache Narration. Tatsächlich entdeckt der Betrachter zunächst einen Film, der auf Chloés Gesicht zentriert ist und dessen Bedeutung in Abwesenheit jeglicher Musik offen bleibt. Nach der Ravel-Ravel-Installation enthüllt der letzte Film (und 2. Teil von Unravel) schließlich die Bewegungen des DJs, der im Deutschen Pavillon gefilmt wurde, zur Partitur von Ravels "wiedervereinigtem" Konzert.

In diesen Filmen setzt Anri Sala seine Erforschung von Raum und Klang sowie der stummen Sprache des Körpers fort. Er bietet eine Erfahrung, die auf Differenz und Gleichheit basiert, in einem ehrgeizigen Werk, das seine Experimente in der Klangverräumlichung weiter vorantreibt. Die Arbeit spricht den Intellekt des Betrachters ebenso an wie seinen Körper und schafft eine kraftvolle physische und emotionale Erfahrung.
Für Anri Sala hat sich der Raum des Deutschen Pavillons als eine Quelle unendlicher Möglichkeiten erwiesen.

Obwohl Anri Sala sich nicht mit der Geschichte des Gebäudes beschäftigt hat, ist der Künstler dennoch an den spezifischen Resonanzen interessiert, die es in sich birgt, und daran, was seine Geschichte seiner Arbeit geben wird.

Der raumfüllende Klang und die Verschmelzung der Interpretationen des impressionistischen Konzertes brachten mich dazu die Ausstellung drei Mal innerhalb von 4 Tagen zu besuchen. Sie wirkte auf mich wie ein poetischer Rückzugsort im glühend heißen Venedig im Juli Monat.

Anri Sala und seine französische Kuratorin Christine Macel haben sich für ein exquisit kompliziertes Geflecht von Ideen entschieden, das sich um die vereinigenden Fähigkeiten der musikalischen Komposition und Performance dreht.

Diese geniale szenografische und kuratorische Lösung prägte mich langjährig und ich muss jedes Mal beim Erklingen der Musik von Ravel an den raumfüllenden Klang dieses Pavillons denken.

Hier schrieb für euch: @8katerIna
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Copyrights:
Fotos: Anri Sala
Video: Vernissage TV
Quellen : https://artreview.com/feature-anri-sala/, http://moussemagazine.it/55vb-french-pavilion/
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#exhibitionofmylife #exhibition @labiennale #anrisala #videoart #immersiveart #kunst @8katerlna

Das Projekt von Anri Sala für den französischen

Das Projekt von Anri Sala für den französischen Pavillon wurde für den Raum des Deutschen Pavillons konzipiert, wo es ausnahmsweise ausgestellt wurde, und trägt den Titel “Ravel Ravel Unravel” (2013).
Der von einem Deutschen entworfene und in deutschem Besitz befindliche Pavillon mit seiner tempelartigen Apsis und den hoch aufragenden teutonischen Säulen stellte die ausstellenden Künstler:innen stets vor eine Fülle prekärer Probleme: architektonische, ästhetische und politische. 1909 erbaut, 1938 nazifiziert, 1947 entnazifiziert und seitdem mehrmals fast abgerissen, ist er von der Geschichte überdeterminiert und mit Geistern überladen.

Der Titel der Arbeit ist ein subtiles Wortspiel, basierend auf dem Verb to ravel und seinem Gegenteil, to unravel, sowie ein Verweis auf den berühmten französischen Komponisten Maurice Ravel, der 1930 das Konzert in D für die linke Hand komponierte, das im Mittelpunkt von Anri Salas Projekt steht.

Die erste von zwei Arbeiten mit dem Titel Ravel Ravel, die den zentralen Raum des Deutschen Pavillons einnimmt, besteht aus zwei Filmen, die jeweils die linke Hand eines berühmten Pianisten in den Mittelpunkt stellen: Louis Lortie und JeanEfflam Bavouzet. Diese beiden Interpreten wurden von Anri Sala eingeladen.

Im Mittelpunkt des Projekts von Anri Sala steht die Interpretation desselben Musikstücks durch die beiden Musiker. Jeder Film konzentriert sich auf die Choreographie der linken Hand.

Die Filme werden gleichzeitig in einer halb schalltoten Kammer abgespielt. Die Absicht des Künstlers ist es, einen Raum nach der zeitlichen Lücke zwischen den beiden Aufführungen zum Klingen zu bringen; paradoxerweise einen 'anderen' Raum in einer Umgebung zu schaffen, die so konzipiert ist, dass sie das Raumgefühl auflöst.

In den angrenzenden Räumen werden zwei weitere Filme unter der einheitlichen Titel "Unravel" präsentiert. Chloé, ein DJ, wird alleine gefilmt, wie sie beide Interpretationen mischt und versucht, die beiden Versionen des Konzerts durch ihre Interpretation zu vereinen.

Copyrights:
Fotos: Anri Sala
Video: Vernissage TV

#exhibitionofmylife #exhibition #anrisala #videoart @labiennale @8katerlna

Es ist wieder Sonntag und damit Zeit für #exhib

Es ist wieder Sonntag und damit Zeit für #exhibitionofmylife. Wir stellen Euch unter diesem Hashtag unsere liebsten, beeindruckendsten, verrücktesten Ausstellungen vor. Damit generieren wir nach und nach ein kollektives, diverses Archiv von interessanten Ausstellungen!

Ihr seid herzlich dazu eingeladen mitzumachen! Welche Ausstellungen waren für Euch besonders und sind euch bis heute noch im Kopf? Was ist Eure #exhibitionofmylife?

Heute stellt uns Ekaterina (@8katerIna) die Ausstellung des französischen Pavillions mit Anri Sala: “Ravel Ravel Unravel” auf der 55. Venedig Biennale 2013 vor!

#exhibitionofmylife #ausstellung #kunst #anrisala #venicebiennale #ravel #venice #exhibition #videoart #immersiveart @labiennale

„Wie fühlen Sie sich nach dieser Erfahrung?“

„Wie fühlen Sie sich nach dieser Erfahrung?“ -> „Überrascht“... „Ergriffen“... „Irgendwas hat sich in mir verändert!“
Danke für dieses besondere Erlebnis! 💫

#exhibitionofmylife

Carte blanche à Tino Sehgal im Palais de Tokyo w

Carte blanche à Tino Sehgal im Palais de Tokyo war eine einzigartige Erfahrung. Hier nur ein kleiner Ausschnitt...
#palaisdetokyo #performance #exhibitionofmylife

Heute ist wieder Zeit für #exhibitionofmylife. W

Heute ist wieder Zeit für #exhibitionofmylife. Wir wollen euch jeden Sonntag unter diesem Hashtag unsere liebsten, beeindruckendsten, verrücktesten Ausstellungen vorstellen. Damit generieren wir nach und nach ein kollektives, diverses Archiv von ganz wunderbaren Ausstellungen!
Ihr seid herzlich dazu eingeladen mitzumachen! Welche Ausstellungen waren für euch besonders und sind euch bis heute noch im Kopf? Was sind eure #exhibitionofmylife?

Heute stellt uns Juschka die Ausstellung „Carte blanche à Tino Sehgal“ im Palais de Tokyo in Paris vor!

Ein paar Monate später bekomme ich in einem Semi

Ein paar Monate später bekomme ich in einem Seminar Mika Rottenberg als Essay-Thema zugeteilt. Nach etwas Recherche kann ich endlich in Worte fassen was sich an ihren Arbeiten so “falsch” angefühlt hat.

Rottenberg betont wiederholt, dass sie für ihre Videos Modelle engagiert, die nicht den klassischen Schönheitsidealen entsprechen. Sie sieht das als “empowering” für ihre Darsteller:innen, die oft Sex- oder Fetischarbeiter:innen sind. Doch die prekäre Arbeit der Darsteller:innen gewinnt durch die Linse der Künstlerin auf dem Kunstmarkt plötzlich exponentiell an Wert. Dass die Modelle davon nicht profitieren ist meiner Meinung nach kritisch zu sehen.

Ich will nun nicht darüber urteilen, ob Rottenberg’s Arbeiten ethisch vertretbar sind oder nicht. Jedoch zeigen ihre Videos und die Fragen, die sie aufwerfen, einmal mehr wie der Kunstmarkt die Bedeutung von Werken verändert.

Wen diese Diskussion interessiert, dem:r kann ich das Essay “Selling Sweat: On The Ethics Of Renting ‘Extraordinary Bodies’ In Mika Rottenberg’s Videos” von Emily Watlington auf anothergaze.com sehr empfehlen.

1. Ausstellungsansicht, „Easy Pieces“, Mika Rottenberg, © New Museum, New York.
2. Ausstellungsansicht, „Easy Pieces“, Mika Rottenberg, © New Museum, New York.
3. Videoclip, „NoNoseKnows”, 2015, © Mika Rottenberg und Hauser Wirth.

#exhibitionofmylife

Mika Rottenberg’s Ausstellung im New Museum fü

Mika Rottenberg’s Ausstellung im New Museum fühlte sich ein bisschen an wie ein bunter Fiebertraum: Um in die Ausstellung zu gelangen mussten Besucher:innen sich zuerst durch ein Dickicht aus Lamettagirlanden kämpfen.

Der Ausstellungsraum griff Elemente von Rottenberg’s Videoarbeiten installativ auf und stelle so eine haptische, emotionale Verbindung zu den Protagonist:innen der Videos und ihrer Umgebung her.

Ein wiederkehrendes Thema in Rottenberg’s künstlerischer Praxis ist Arbeit und Prekarität. Dabei führen die meist weiblichen Protagonist:innen ihrer Videos Arbeitsabläufe und Fabrikationsprozesse ad absurdum. Rottenberg’s dokumentarisch anmutende fiktionale Narrative, wirken wie eine Sammlung von surrealen Kurzgeschichten. Sie sind unglaublich immersiv und fesselnd aber irgendetwas fühlte sich nicht ganz richtig an als ich ihren Arbeiten im New Museum zum ersten Mal begegne.

1. Ausstellungsansicht, „Easy Pieces“, Mika Rottenberg, New Museum, New York
2. Videostill, “Cosmic Generator”, 2017, © Mika Rottenberg und Hauser Wirth
3. Videoclip, „Cosmic Generator”, 2017, © Mika Rottenberg und Hauser Wirth.

#exhibitionofmylife

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